Compra vinilos en grupo, paga lo justo

Regreso al pop electrónico tras el paréntesis folk de folklore y evermore, coproducido con Jack Antonoff. Concepto: trece noches de insomnio, con letras confesionales sobre la ansiedad, el autodesprecio, el amor y el ajuste de cuentas. Synth-pop nocturno, atmosférico y de producción minimalista y brumosa. Cimas: "Anti-Hero" —autorretrato irónico y magnético, uno de sus mejores singles—, "Lavender Haze", "Maroon" y "Karma".

Esta recopilación esencial reúne la columna vertebral de sus grabaciones clásicas registradas en los estudios de Odeon. Piezas canónicas como "Murió la flor", "Y volveré", "Cómo quisiera decirte" y "Porque te quiero" conviven con gemas como "Tanto Adiós", "El Rey y yo" y "Quisiera no quererte más". Más allá de su inmenso arraigo popular en México y el resto del continente, este corpus sonoro adquirió un estatus de culto global al ser redescubierto como una mina de oro por productores de hip-hop y funk alternativo (sampleado por figuras como Beastie Boys en "The Move" y Jay-Z en "My 1st Song").

Reedición de 2018 del que muchos consideran el disco más ambicioso de Marillion: Brave (1994), el tercero de la era Steve Hogarth y un álbum conceptual mayúsculo, inspirado en una noticia real —una joven encontrada por la policía en el puente de Severn, sin memoria ni identidad—, del que la banda construyó una narrativa desoladora sobre angustia adolescente, explotación emocional, traición familiar y el impulso de arrojarse al vacío. Grabado en un château francés durante meses, con la producción inmersiva y cinematográfica de Dave Meegan, es su obra más densa y menos concesiva: 71 minutos de suites encadenadas donde la guitarra de Steve Rothery alcanza algunos de sus solos más hermosos ("The Great Escape", "Made Again") y Hogarth entrega la interpretación vocal de su vida. Lo interesante de esta versión es el trabajo de Steven Wilson —que ya había remezclado Misplaced Childhood el año anterior—: aborda el disco con mano ligera, tomando la mezcla original de Meegan como guía en lugar de desmontarla, y consigue sacar a flote la rabia que hervía bajo la superficie del relato, con una definición instrumental y una dinámica notablemente superiores. Existe en CD simple, doble vinilo, caja de 4 CD + Blu-ray (con la mezcla 5.1, el mix original de 1994, el concierto de La Cigale de París remezclado por Michael Hunter y un documental) y edición de 4 LP.

Canción Animal encarna el momento de mutación definitiva en la carrera de Soda Stereo. Gustavo Cerati, Zeta Bosio y Charly Alberti decidieron despojarse del barniz post-punk bailable y el funk neoyorquino de Doble Vida para reencontrarse con las raíces crudas del rock argentino fundacional de los setenta (Pescado Rabioso, Color Humano, Vox Dei) y cruzarlas con la ebullición del sonido alternativo que inauguraba la nueva década. El álbum articula un equilibrio entre sensualidad carnal, crudeza de guitarras saturadas y una arquitectura de canciones infalible. Desde el arranque a contratiempo con el redoble de batería y el riff pesado de "(En) El Séptimo Día", el viaje transita por la épica psicodélica y expansiva de "Un Millón de Años Luz", el pulso tribal y erótico de "Canción Animal" y "Entre Caníbales", hasta alcanzar la apoteosis pop de "De Música Ligera", convertida en el himno definitivo del rock en español. En el reverso introspectivo, "Té para 3" —con Pedro Aznar en los arreglos vocales— erige una balada de recogimiento familiar con un desgarro acústico atemporal.

Tras el aclamado Heaven Up Here, la banda de Ian McCulloch entregó un álbum tenso y dramático, de post-punk envolvente teñido de una grandiosidad casi orquestal —con arreglos de cuerda de aire oriental cortesía del violinista Shankar—. Es un disco de atmósferas cavernosas y emoción intensa, con la voz teatral y anhelante de McCulloch, la guitarra afilada de Will Sergeant y esa base rítmica poderosa. Cimas: "The Cutter" (su gran éxito, con ese riff de cuerdas hipnótico), "The Back of Love", "Porcupine", "Ripeness". Aunque en su lanzamiento generó desconcierto por su sonido menos accesible en comparación con lo que vendría en Ocean Rain, el disco envejeció de manera formidable: es la cumbre de su vertiente más sombría y experimental.

Script for a Jester's Tear es la piedra fundacional del movimiento neo-progresivo británico. En plena resaca del punk y durante el auge comercial de la New Wave, Marillion revitalizó la herencia del rock sinfónico de los setenta (con ecos evidentes de Genesis, Van der Graaf Generator y Pink Floyd), inyectándole una agresividad lírica visceral, cinismo moderno y una puesta en escena teatral encabezada por el histriónico vocalista escocés Fish (Derek Dick). A lo largo de sus seis composiciones de largo aliento, el álbum articula una narrativa sombría sobre el desengaño amoroso, la alienación social, la adicción y el trauma bélico: Cara A: La majestuosa pieza homónima «Script for a Jester's Tear», la claustrofobia paranoica de «He Knows You Know» y la intrincada tragedia de «The Web». Cara B: La sátira clasista británica en «Garden Party», la melancolía urbana de «Chelsea Monday» y el alegato antibélico sobre el conflicto de Irlanda del Norte en «Forgotten Sons». El trabajo instrumental brilla por el melodismo épico de la guitarra de Steve Rothery (cuyo sustain y legato se convirtieron en marca de la casa), los sintetizadores cortantes y texturas de piano de Mark Kelly, y el sólido anclaje rítmico del bajista Pete Trewavas y el baterista Mick Pointer. Pitchfork / AllMusic: 8.5 / 10.0 (★★★★½) Elogiado como el renacimiento triunfal del rock sinfónico en los ochenta. Destaca la riqueza dramática de los textos de Fish, la elocuencia de los solos de Steve Rothery y la audacia de concebir una suite teatral que devolvió el virtuosismo formal a las listas británicas. Rockdelux: ★★★★☆ (4/5) Celebrado en la prensa europea como el manifiesto definitivo del neo-prog. La publicación subraya la crudeza narrativa de «Forgotten Sons» y «The Web», elogiando la capacidad del quinteto para transformar la nostalgia setentera en una tragedia contemporánea cargada de nervio. Rolling Stone: ★★★★☆ (4/5) Aclamado como un debut monumental de gran impacto conceptual. La revista resalta el virtuosismo melódico del grupo y la visceralidad interpretativa de la voz principal, situándolo como uno de los álbumes conceptuales más logrados de su época.

Rumours es una de las obras cumbres del pop-rock y la producción en cinta analógica de los años setenta. Transformando el resentimiento, la infidelidad y el duelo en catarsis armónica, el quinteto angloamericano concibió una colección de canciones perfecta donde la tensión emocional alimenta cada compás. Líricamente, el disco explora el dolor de la pérdida, el despecho frontal y la búsqueda de redención mutua. A nivel de producción e ingeniería de sonido (liderada por Ken Caillat y Richard Dashut), el álbum es una referencia audiófila absoluta: el bajo sincopado de John McVie en el clímax de «The Chain», el punteo acústico de Buckingham en «Never Going Back Again», las sutiles capas de percusión y las armonías a tres voces poseen una separación de canales y un rango dinámico que destacan de forma extraordinaria en las transferencias a vinilo prensadas desde las cintas maestras.

Close to the Edge constituye la cúspide indiscutible del rock progresivo sinfónico británico y uno de los ejercicios de virtuosismo compositivo más ambiciosos del siglo XX. Inspirado parcialmente en la lectura de Siddhartha de Hermann Hesse por parte de Jon Anderson, el álbum canaliza una búsqueda espiritual y existencial a través de desarrollos armónicos deudores de la música docta y una estructura cíclica de suite. La cara A está ocupada íntegramente por los dieciocho minutos de la suite homónima, articulada en cuatro movimientos donde el bajo punzante y saturado de Chris Squire se entrelaza con las texturas polimétricas de Bill Bruford, las guitarras acústicas y eléctricas de Steve Howe y las catedrales tímbricas de órgano de iglesia y Mellotron de Rick Wakeman. La cara B equilibra la mística acústica y coral de «And You and I» con el frenesí casi jazz-rock y funk de «Siberian Khatru».

El misticismo sonoro del compositor estonio encuentra en esta antología un refugio impecable para apreciar la pureza radical de su técnica tintinnabuli. Interpretadas por ensambles vocales e instrumentales de referencia (con el Coro de Cámara Filarmónico de Estonia y la batuta de Tõnu Kaljuste a la cabeza), piezas emblemáticas como Spiegel im Spiegel, Da pacem Domine y Für Alina se despliegan en el surco de vinilo con una reverberación sacra y un silencio casi táctil. Lejos de cualquier esteticismo new age, la economía de notas de Pärt opera aquí como una meditación sobre el espacio, el tiempo y la fragilidad humana. Un prensaje indispensable para quienes buscan en la música contemporánea un paisaje inmersivo de alta fidelidad y conmoción espiritual.

Las grabaciones en vivo procedentes de emisiones FM de Siouxsie and the Banshees documentan el periodo de mayor ebullición del post-punk y el art-goth británico (1979–1983). Capturadas directamente desde mesas de sonido para su transmisión en estaciones como la BBC Radio 1 o cadenas europeas independientes, estas cintas retratan a una banda en plena metamorfosis sónica, despegándose del punk minimalista de The Scream hacia el hipnótico cromatismo de Kaleidoscope y la psicodelia sombría de Juju. El repertorio de estas emisiones radiofónicas suele concentrar momentos fundacionales: desde la tensión seca de "Hong Kong Garden" y "Jigsaw Feeling" hasta las interpretaciones abrasivas de "Israel", "Spellbound", "Arabian Knights" y "Night Shift". Destaca el diálogo instrumental entre el bajo tribal y procesado con flanger de Steven Severin, la batería marcial y sincopada de Budgie y las texturas angulares de guitarra (tanto en la etapa con John McGeoch como con Robert Smith como músico de apoyo). La voz de Siouxsie Sioux domina el plano frontal con una entrega operística y visceral que gana crudeza sin los filtros del estudio. En su prensaje en vinilo, estas ediciones procedentes de cintas de retransmisión FM exhiben una dinámica analógica directa y sin sobreprocesamiento moderno. Aunque el suelo de ruido puede variar según la conservación de la fuente radial original, el máster conserva la pegada transitoria de la percusión, un escenario estéreo amplio y la presencia inmediata de los ecos valvulares de los amplificadores en sala. Evaluaciones Críticas Pitchfork: 8.2 / 10.0 Elogia el valor documental y la agresividad rítmica de los registros. La cabecera subraya que estas transmisiones en vivo exponen con absoluta transparencia la maquinaria arquitectónica del cuarteto, reivindicando la influencia motriz de Budgie y Severin en la gestación del sonido gótico y post-punk. Rockdelux: ★★★★☆ (4/5) Celebrado como un testimonio fundamental de la vanguardia oscura europea. Resalta la ausencia de complacencia en las interpretaciones y la capacidad de la banda para mantener una tensión estética amenazante y teatral sin perder el filo de guitarras abrasivas. Rolling Stone: ★★★★☆ (4/5) Un documento apasionante para completistas y amantes del rock británico. Destaca el magnetismo vocal de Siouxsie y el vigor interpretativo del grupo en directo, catalogándolo como una ventana indispensable a la intensidad escénica de los primeros años ochenta. Calificación Promedio: 8.1 / 10.0 (★★★★☆) Consenso unánime: testimonio histórico electrizante, aclamado por su crudeza interpretativa y por capturar a la banda en la cúspide de su impacto escénico.

Hard bop elegante y accesible, con un quinteto de lujo —Freddie Hubbard a la trompeta, Dexter Gordon al saxo tenor— y el piano de Hancock brillando con esa mezcla de sofisticación armónica y swing terrenal que lo definiría. La joya es "Watermelon Man", ese tema de groove funky y raíz gospel-blues que se volvió un éxito rotundo (popularizado por Mongo Santamaría) y un clásico instantáneo del soul-jazz. El resto —"Three Bags Full", "Empty Pockets", "Driftin'"— confirma a un compositor e intérprete ya maduro.

Consagrados como uno de los bastiones más intransigentes del metal extremo sudamericano, los ariqueños alcanzaron en su tercer asalto discográfico una madurez sónica demoledora. Apátrida es thrash metal de la vieja escuela ejecutado con precisión quirúrgica contemporánea: riffs corrosivos que beben por igual de la escuela teutona de Kreator y del groove cortante de Sepultura, sostenidos por una sección rítmica que no concede un segundo de tregua ("Apatrida", "My Own Anarchy", "The Pain You Asked For"). La garganta desgarrada de Matías Leonicio escupe crónicas de descomposición social y rabia política sin rodeos ni metáforas complacientes. En vinilo, la pegada de bombos y la densidad de las guitarras ganan un peso físico abrumador. Un testimonio fundamental de la potencia y vigencia del metal pesado chileno.

Banda sonora de la tercera y última entrega de la saga Guardians of the Galaxy de James Gunn, publicada en mayo de 2023 por Hollywood Records/Marvel. La premisa de estas películas siempre fue, en el fondo, musical: Peter Quill (Star-Lord) atraviesa la galaxia con su walkman y sus "Awesome Mix", las cintas que le dejó su madre, y la música de época se convierte en el corazón emocional de toda la saga. Este tercer volumen amplía la fórmula más allá de los clásicos de los setenta que definían las dos primeras, abriendo el abanico temporal y estilístico para reflejar la evolución de los personajes y el tono más maduro y melancólico de esta despedida. La selección es deliciosa y ecléctica: desde Radiohead ("Creep", en un uso emocionalmente devastador ligado a la historia de Rocket) hasta Rainbow ("Since You Been Gone"), Faith No More ("We Care a Lot"), Beastie Boys ("No Sleep Till Brooklyn"), Spacehog ("In the Meantime"), The Flaming Lips, Florence + The Machine, EHAMIC y hasta un cierre con "Dog Days Are Over". Es un tránsito por rock, pop, grunge y alternativo de varias décadas, curado con el mismo instinto emocional que hizo célebres a las anteriores.

Grabado en la iglesia de la abadía de Marienmünster por el prestigioso sello alemán de alta fidelidad Audite, Fortuna Scherzosa reúne a la soprano alemana Ina Siedlaczek junto al ensamble de música antigua Hamburger Ratsmusik (dirigido por Simone Eckert en viola da gamba). El proyecto constituye un rescate musicológico de primer orden: una antología de cantatas de cámara y arias del barroco alemán temprano y pre-bachiano articuladas en torno al capricho, la ironía y la inconstancia de la Fortuna (Fortuna scherzosa). El repertorio recupera composiciones sacras y profanas de maestros fundamentales de los siglos XVII y XVIII, entre ellos Philipp Heinrich Erlebach, Johann Philipp Krieger, Georg Philipp Telemann y Johann Theile. La soprano Ina Siedlaczek —especialista de referencia en el repertorio vocal renacentista y barroco germano— aborda las arias con una afinación cristalina, dicción alemana impecable y un fraseo libre de vibrato operístico invasivo, dialogando con la textura tímbrica de instrumentos de época: violas da gamba, violines barrocos, laúd y clavicémbalo. A nivel técnico y audiófilo, el registro destaca por su captura purista: grabado con micrófonos emparejados a alta resolución en el espacio acústico natural de Marienmünster, el máster ofrece un escenario sonoro tridimensional profundo, donde el decaimiento natural de la reverberación del templo no satura ni oscurece la articulación íntima de la voz ni el frote de las cuerdas de tripa. Scherzo / CD Compact: ★★★★★ (Recomendado / Nominación ICMA) Elogiado por la crítica especializada en música antigua por su rigor estilístico y belleza tímbrica. Destacan la dulzura expresiva de Siedlaczek y la sobriedad instrumental del conjunto Hamburger Ratsmusik, catalogándolo como una referencia indispensable del barroco de cámara centroeuropeo. Planet Hugill: ★★★★½ (4.5/5) Aplaude la inteligencia temática del recital y el rescate de obras infrecuentes de Erlebach y Krieger. Resalta el equilibrio dinámico entre voz e instrumentación de época, así como la calidez de la acústica de Marienmünster. Pizzicato (Supersonic Award): ★★★★★ (5/5) Galardonado por la conjunción entre virtuosismo vocal y perfección técnica de grabación. La publicación europea destaca el timbre luminoso y el control de dinámicas de la soprano, calificando la toma sonora de Audite como un estándar de referencia para sistemas de alta resolución.

Despojarse del alias que lo convirtió en fenómeno del soul downtempo fue para Nick Murphy una declaración de principios: escapar del loop digital para salir a grabar por el mundo con Dave Harrington (DARKSIDE) como coproductor. Registrado de forma nómada durante cuatro años, este trabajo expande el marco de su R&B melancólico hacia una instrumentación orgánica y expansiva, donde conviven arreglos orquestales, percusiones vivas, sintetizadores analógicos y una tensión narrativa mucho más cruda y reflexiva ("Sanity", "Novocaine and Chocolate", "Dangerous"). La voz rota de Murphy gana espacio y dinamismo frente a sus grabaciones anteriores, entregando un álbum denso, texturado y nocturno que brilla de forma rotunda en la reproducción analógica. Una pieza clave de pop de autor contemporáneo para audiófilos.

Cuarto álbum de estudio del trío californiano integrado por las hermanas Este, Danielle y Alana Haim, I Quit consolida la madurez de la banda tras el éxito de Women in Music Pt. III (2020) . Con una producción compartida principalmente entre la propia Danielle Haim y su colaborador habitual Rostam Batmanglij, el disco expande su sonido característico hacia un rock clásico de mayor calado orgánico y pegada escénica, combinando arreglos minuciosos de estudio con la energía desatada de su formato en directo . A lo largo de sus 15 composiciones, el trío explora la liberación personal, la fatiga del escrutinio ajeno y las complejidades de los vínculos afectivos . Sencillos destacados como "Relationships", "Down to Be Wrong" y "Everybody's Trying to Figure Me Out" exhiben un despliegue de percusiones vivas, líneas de bajo sincopadas y los reconocibles juegos polifónicos vocales de las tres hermanas, incorporando además guitarras con distorsión setentera y vientos que enriquecen su paleta rítmica .

Piedra angular de la música electrónica. Grabaciones caseras hechas a lo largo de años de adolescencia, con una madurez asombrosa: techno e IDM de texturas cálidas y analógicas, beats hipnóticos y melodías sintéticas de una emotividad melancólica poco común en la electrónica de baile —puente entre la pista y la escucha profunda—. Cimas: "Xtal", "Tha", "Ageispolis", "Pulsewidth", "Heliosphere". Influencia incalculable sobre el IDM, el techno y décadas de electrónica. Cálido, atmosférico y atemporal.

Si The Dark Side of the Moon representó la apoteosis técnica de Pink Floyd en Abbey Road, su sucesor inmediato canalizó el vértigo del éxito masivo hacia una elegía devastadora sobre la ausencia, el cinismo de la industria discográfica y el espectro imborrable de Syd Barrett. Estructurado en torno a las dos mitades monumentales de "Shine On You Crazy Diamond", el álbum es una cumbre insuperable del rock atmosférico: los sintetizadores VCS3 y Minimoog de Richard Wright suspenden el cosmos, mientras las intervenciones de David Gilmour —desde el célebre motivo de cuatro notas hasta sus solos más punzantes y cargados de blues— alcanzan una expresividad casi vocal. En el corte titular, el roce de los dedos sobre las doce cuerdas y la radio sintonizada cobran en vinilo una intimidad física sobrecogedora. Un pilar audiófilo absoluto, quintaesencia del diseño de Hipgnosis y una pieza central irremplazable para cualquier catálogo de excelencia.

El Santo Grial prehistórico de Joy Division. Grabado en los estudios Arrow de Manchester en mayo de 1978 para un contrato frustrado con RCA —que la propia banda desechó tras negarse a incluir sintetizadores comerciales impuestos por los productores—, este álbum encapsula la mutación exacta del punk acelerado de 1977 hacia la penumbra del post-punk fundacional. Lejos de las catedrales gélidas de reverb que Martin Hannett construiría meses más tarde en Unknown Pleasures, aquí Ian Curtis, Bernard Sumner, Peter Hook y Stephen Morris suenan urgentes, claustrofóbicos y directos a la yugular ("Transmission", "Shadowplay", "Leaders of Men", "Warsaw"). Con la crudeza del bajo punzante de Hook ya marcando el paso y el fraseo marcial de Curtis en carne viva, el surco en vinilo exhala una aspereza histórica imprescindible. Una pieza de arqueología sonora obligada para cualquier devoto del canon oscuro británico.

Rock melódico y post-punk luminoso de guitarras, con una vena que cruza la jangle-pop, el folk-rock y una melancolía elegante muy de su época —a medio camino entre The Waterboys, Big Country y el rock adulto de mediados de los ochenta—. La voz cálida y expresiva de Kevin Weatherill al frente, sobre canciones bien construidas y de estribillo emotivo. Curiosamente, la banda tuvo más éxito en España y el sur de Europa que en su propio país. Cimas: el tema titular "Dumb Poet", "Prince", "Save It", "Stand Down".

Este dúo de synthwave y electro-rock, formado por Chino Moreno, vocalista de Deftones, y Shaun Lopez, productor y multiinstrumentista de Far, lleva más de un año deleitándonos con sencillos, una portada de primer nivel y vídeos trepidantes mientras preparaban su nuevo EP, Permanent.Radiant (Warner Music Group). El nuevo EP, que encaja a la perfección con la apretada agenda de Chino con Deftones y el trabajo de producción de Shaun, continúa desarrollando la línea que habían trazado, sin su antiguo colaborador Chuck Doom, quien abandonó el proyecto. En muchos sentidos, Crosses se adelantó años a su tiempo en la actual explosión de música synthwave/synthpop que está conquistando a los fans del rock. Es menos pesado en los riffs y más denso en las atmósferas, pero también en el clásico vamp del blues, destilado a través de los años y que ahora llega aquí, en el futuro y el pasado a la vez. La clave de la música de Crosses reside en la construcción de la tensión, no en el clímax. El tema principal, "Sensation", tiene un ritmo relajado, sintetizadores fríos y la voz susurrante de Chino. El sonido de las guitarras no es tan incisivo, pero recuerda a las partes de guitarra de Chino en su banda. "Vivien", con su ritmo burbujeante de notas staccato, los hi-hats de la caja de ritmos 808 que emulan nalgadas y palmadas en las mejillas, fusionados con el sensual canto de Chino, se abre a un estribillo épico y ascendente. La memoria te transporta 15 años atrás, a los primeros EPs y al primer álbum de Puscifer, pero también a influencias de The Cure, Depeche Mode, Joy Division, los primeros Killing Joke, Ministry, y también a Prince y los clichés del R&B de los 90 (para bien o para mal). “Cadavre Exquis” es la siguiente y tiene un aire muy dreampop, con más samples de batería clásicos geniales. Casi puedo escuchar a Madonna cantando en los 80 sobre esta canción, de uno de sus álbumes de bandas sonoras de primera categoría. Este es el mejor tema de todo el EP. El tema extra del vinilo es “Day One”, y aunque no estoy seguro de que se publique como sencillo, sin duda es una propuesta divertida y original. La tonalidad mayor, el ambiente soleado que te hace sonreír y la cadencia de samba te harán bailar con tu propia sombra en tu habitación. El tema es un agradable rayo de felicidad en un conjunto por lo demás sombrío, razón por la cual probablemente se incluyó como tema extra. “Holier” se parece más a lo que esperábamos. De vuelta a la melancolía. Con una base onírica al estilo GTA V, esta canción es tan hermosa como triste. El último tema de este breve lanzamiento es "Procession" y, efectivamente, suena como la música de los créditos finales de una película perdida de John Hughes, con estrellas que solo aparecen con su apellido. Tararearás el solo de guitarra durante semanas después de escucharlo. Maestros de la intriga, la composición pausada y la música íntima, Crosses han plasmado su visión creativa en Permanent.Radiant. Además, el sexy y misterioso Chino Moreno es el mejor Chino Moreno posible.

Editado como parte de la cuidada serie Friends Of de Secretly Canadian, este EP de siete pistas funciona como una suerte de despojo confesional guiado casi en su totalidad por la compositora Kelly Zutrau. Acompañada de arreglos esqueléticos de autoharp, pianos de cola, mellotron y el pulso orgánico de un contrabajo eléctrico ("Tell Me Why", "Canyon", "Pink Room", "Turn The Lights Down Low"), la producción a cargo de Reed Black prescinde de la arquitectura sintética más expansiva del pop electrónico para abrazar un bedroom-folk íntimo y crepuscular. En prensaje de vinilo, la toma vocal de Zutrau suena con una proximidad desarmante, registrando cada matiz dinámico y respiración sin la fatiga de la sobrecompresión moderna. Un artefacto delicado, envolvente y de enorme calidez para la batea de pop alternativo intimista.

Reed entregó algunas de sus mejores canciones en este disco, despojadas de la abrasión vanguardista de sus inicios para abrazar el rock and roll melódico y luminoso. Cimas: "Sweet Jane" —ese riff inmortal, uno de los más versionados del rock— y "Rock & Roll", dos himnos absolutos sobre el poder salvador de la música; más "Who Loves the Sun", "New Age" y "Oh! Sweet Nuthin'". Es cálido, tuneful y sorprendentemente soleado para la Velvet.